A fashion hypothesis

Author: Marta Baranello

“Dream in Bloom” by Cheney Chan: a journey through symbolism and botany

Among the many facets of fashion, a necessary space must be reserved for emerging artists brimming with creativity. As in the case of Chinese fashion designer Cheney Chan. The latter presented his new collection “Dream in Bloom” at the Salle Gaveau concert hall in Paris during Haute Couture Week. He did so by combining the tradition of Chinese porcelain -which serves as the central inspiration- and botany, perfectly rendering the details of delicate flowers in a garden of colors and stories.

In fact, just as the technique of shaping ceramics draws inspiration from ancient methods of manufacture, the collection showcases tradition by expressing it through the beauty of form in clothing, with silhouettes shaped by curved lines originating from careful processes of sculpting and refining fabrics, resulting in sinuous and balanced forms, which can only make one recall the beauty that lies in the structure of things.

The collection, a tribute to the cyclical nature of time and life, finds as its pivot the number 12, with the mystical significance this carries. Indeed, it represents perfection, wholeness and cosmic order in traditions since antiquity. From Greek mythology to the New Testament of the Bible, through the 12 months, 12 hours and 12 zodiac signs. And Chan’s proposed narrative, inspired by numerous classical Chinese stories, attributes one of the 12 basic characteristics to each design. Purity, courage, charm, resilience, endurance, passion, freedom, heroism, independence, clarity, responsibility and authenticity. To solidify these aspects are the characteristics of a gallery of flowers, which have always been considered instruments of language with deep symbolic value and great communicative potential.

The designer has skillfully integrated the background of philosophical, mythological and theological culture with the natural beauty of the flowers and butterflies offered in the collection. The stated intention is that of prompting reflection and nurturing a sense of rebirth and transformation in the viewer. “Each flower symbolizes the delicacy and vitality of women; each butterfly embodies their transformation and luminosity,” he admits.

So we look at these flowers, trying to assimilate some of the botanical elements that characterize them and the senses related to the value system associated with them, and we can propose a series of interconnections and parallels between the garments worn and the nature traits represented.

Take for example the rose, a peculiar flower that despite its most classical representation is actually distinguished in a huge array of varieties, each articulated in its own symbolic meanings and botanical characteristics. Following on the trail previously proposed, it is interesting to report the mystical aspect that illuminates the birth of this flower according to Greek mythology. Belief has it that the goddess of flowers, Chloris, transformed a deceased nymph into a graceful flower with crimson petals that preserved its beauty intact. It was then Dionysus who gave her the unmistakable fragrance while the Charites, the three deities associated with beauty, gave her a beautiful appearance. Thanks to the work of Apollo, the right climatic conditions were finally created to allow the flowering of what is considered the queen of flowers par excellence, with its aura of charm.

Impossible then not to notice the distinctive brightness of marigold, the meaning of which hints at healing. This is obviously no accident, since it is a medicinal mainstay in all cultures. With its healing properties, this flower sits in a symbolic sphere residing far beyond ornamental value. But not only that, this sun-colored jewel boasts a rich cultural history in Mexico. Often associated with the spiritual cycle of life and death, it is a perfect choice for Day of the Dead celebrations, believed to comfort the souls of the physically distant. It is often incorporated into “ofrendas” (offerings) along with favorite foods, candles and mementos of the deceased. These ofrendas are set up to create a welcoming space for the spirits to return to and enjoy the gifts reserved for them, and to keep the sense of emotional responsibility ignited in the family members dedicated to caring for their memory.

The carnation, with its elegant petals, is present as evidence of Greek, Roman and Christian traditions, linked to them once again by religious meanings. From Greek etymology it is defined as “the flower of the gods,” a name given to the flower by a certain Theophrastus. Literally “Dianthus,” often associated with the god Zeus, to whom it was offered as a gift. Similarly in Roman history: a symbol of Jupiter and a commemorative object on sacred occasions. Finally, in Christian tradition, the carnation is said to have originated from the tears of the figure of Mary, after seeing her son meet his destiny on Mount Calvary. And still, beyond the meanings assumed in sacredness in different eras and cultures, the charm of this flower, which has retained a positive meaning of love, joy or admiration, but also passion and resilience, remains vivid.

The arum lily, one of the most elegant flowers, is derived from the Greek word “kalós”, meaning beautiful, making it a symbol of pure and delicate beauty. The narrative has it that arum lily flowers sprang from the mother’s milk of Hera, goddess of the earth and creation. And from this etymological root to today, the most popular meanings associated with this flower remain purity, perfection, elegance and eternal life. It is not surprising when one considers that according to the same belief the flower has the same origin as the Milky Way and the starry sky in which we are wonderfully immersed.

In this journey through symbolism and botany, we need to end where we began: by observing the contingencies of a parade that is complex but at the same time rich in stimuli, perhaps precisely because of this. The most tangible stimulus is certainly visual. By focusing the audience’s attention on the models’ eyes, as well as on their skin, in a meticulous combination with fresh flowers and headdress ornaments, the designer pays homage to botanical painting and facial aesthetics, as indeed one would expect from someone who marries innovation with cultural tradition. The models’ makeup in particular stands out, which, evocative of watercolor and ink paintings, undoubtedly contributed to the ethereal aesthetic of the collection, posing as a further reference to Chinese tradition.

And so, among sumptuous skirts and tulle ruffles, through the expressive charge of a myriad of colors pronounced by cherry red lips, Chan’s invitation is to look at our surroundings, and maybe even a little inside of ourselves. Recalling our roots without forgetting that we can compose with their fragments a mosaic of novelty and life.

August 19, 2024
“Dream in Bloom” di Cheney Chan: un viaggio attraverso simbologia e botanica

Tra le molteplici sfaccettature della moda, uno spazio necessario è quello che occorre riservare ad artisti emergenti e colmi di creatività. Come nel caso dello stilista cinese Cheney Chan. Questi ha presentato la sua nuova collezione “Dream in Bloom” alla sala concerti Salle Gaveau di Parigi durante la Settimana dell’Alta Moda. Lo ha fatto combinando la tradizione della porcellana cinese – che funge da ispirazione centrale – e la botanica, rendendo perfettamente i dettagli di delicati fiori, in un giardino di colori e storie.

Infatti, così come la tecnica di modellatura della ceramica trae ispirazione dagli antichi metodi di lavorazione, la collezione mette in mostra la tradizione esprimendola attraverso la bellezza della forma nell’abbigliamento, con silhouette modellate da linee curve originanti da attenti processi di scultura e raffinazione dei tessuti, risultando in forme sinuose ed equilibrate, le quali non possono che richiamare lo sguardo sulla bellezza che risiede nella struttura delle cose.

La collezione, un tributo alla natura ciclica del tempo e della vita, trova come suo perno il numero 12, con il significato mistico che questo porta con sé. Rappresenta infatti la perfezione, l’interezza e l’ordine cosmico nelle tradizioni fin dall’antichità. Dalla mitologia greca al Nuovo Testamento della Bibbia, passando per i 12 mesi, le 12 ore e i 12 segni zodiacali. E la narrazione proposta da Chan, ispirata a numerose storie classiche cinesi, attribuisce ad ogni design una delle 12 caratteristiche fondamentali. Purezza, coraggio, fascino, resilienza, resistenza, passione, libertà, eroismo, indipendenza, chiarezza, responsabilità e autenticità. A solidificare tali aspetti sono le caratteristiche di una galleria di fiori, da sempre considerati strumenti di linguaggio dal profondo valore simbolico e dal grande potenziale comunicativo.

Lo stilista ha infatti integrato abilmente il bagaglio della cultura filosofica, mitologica e teologica con la bellezza naturale dei fiori e delle farfalle proposti nella collezione, con il dichiarato intento di sollecitare la riflessione ed alimentare un senso di rinascita e trasformazione nello spettatore. “Ogni fiore simboleggia la delicatezza e la vitalità delle donne; ogni farfalla incarna la loro trasformazione e la loro luminosità“, ammette.

E così osserviamo questi fiori, cercando di assimilare alcuni degli elementi botanici che li caratterizzano ed i sensi relativi al sistema valoriale associato ad essi, e possiamo proporre una serie di interconnessioni e parallelismi tra i capi indossati e i tratti della natura rappresentata.

Prendiamo ad esempio la rosa, un fiore peculiare che nonostante la sua più classica rappresentazione si distingue in realtà in un enorme serie di varietà, ognuna articolata in significati simbolici e caratteristiche botaniche propri. Seguendo sulla traccia precedentemente proposta, è interessante riportare l’aspetto mistico che illumina la nascita di questo fiore secondo la mitologia greca. La credenza vuole che la dea dei fiori, Cloride, trasformò una ninfa ormai deceduta in un fiore grazioso dai petali cremisi, che conservassero intatta la sua bellezza. Fu poi Dionisio a donarle l’inconfondibile profumo mentre le Cariti, le tre divinità legate alla bellezza, le donarono un aspetto meraviglioso. Grazie all’operato di Apollo, furono infine create le condizioni climatiche adatte per permettere il fiorire di quella che viene considerata la regina dei fiori per eccellenza, con la sua aura di fascino.

Impossibile poi non notare la luminosità peculiare della calendula, il cui significato rimanda alla guarigione. Non è ovviamente un caso, trattandosi di un pilastro medicinale in tutte le culture. Con le sue proprietà curative, questo fiore si colloca in una sfera simbolica residente ben oltre il valore ornamentale. Ma non solo, questo gioiello dai colori solari vanta una ricca storia culturale in Messico. Spesso associato al ciclo spirituale della vita e la morte, costituisce una scelta perfetta per la celebrazione del Giorno dei Morti, ritenuto in grado di confortare le anime delle persone fisicamente lontane. Spesso viene incorporato nelle “ofrendas” (offerte) insieme ai cibi preferiti, alle candele e ai ricordi del defunto. Queste ofrendas sono allestite per creare uno spazio accogliente in cui gli spiriti possano tornare e godere dei doni riservati loro, e mantenere acceso il senso di responsabilità affettiva da parte dei familiari che si dedicano alla cura della loro memoria.

Il garofano, dagli eleganti petali, è presente come testimonianza delle tradizioni greca, romana e cristiana, legato ad esse ancora una volta da significati di tipo religioso. Dal greco etimologicamente lo si definisce come “il fiore degli dei”, nome che un certo Theophrastus diede al fiore. Letteralmente “Dianthus”, spesso associato al dio Zeus, cui si offriva in dono. Similmente accadeva nella storia romana: simbolo di Giove e oggetto commemorativo in occasioni sacre. Infine, nella tradizione cristiana si narra che il garofano sia nato dalle lacrime della figura di Maria, dopo aver visto il figlio andare incontro al proprio destino, sul Monte Calvario. E comunque, al di là dei significati assunti nella sacralità in epoche e culture diverse, resta vivido il fascino di questo fiore, che ha conservato un significato positivo di amore, gioia o ammirazione, ma anche passione e resilienza.

La calla, uno dei fiori più eleganti, deriva dal greco “kalós”, che significa bello, e ne fa un simbolo di pura e delicata bellezza. La narrazione vuole che i fiori della calla fossero scaturiti dal latte materno di Era, dea della terra e della creazione. E da questa radice etimologica ad oggi i significati più diffusi associati a questo fiore restano purezza, perfezione, eleganza e vita eterna. Non stupisce se si pensa che secondo la stessa credenza il fiore abbia la medesima origine della Via Lattea e del cielo stellato in cui siamo meravigliosamente immersi.

In questo viaggio tra simbolismo e botanica, occorre terminare dove abbiamo iniziato: osservando le contingenze di una sfilata complessa ma al tempo stesso ricca di stimoli, forse proprio per questo. Lo stimolo più tangibile è certamente visivo. Concentrando l’attenzione del pubblico sugli occhi delle modelle, oltre che sulla pelle, in un connubio meticoloso con i fiori freschi e gli ornamenti dei copricapi, lo stilista rende omaggio alla pittura botanica e all’estetica del volto, come d’altronde ci si aspetterebbe da qualcuno che sposi l’innovazione con la tradizione culturale. In particolare risalta il trucco delle modelle, il quale, evocativo di dipinti ad acquerello e inchiostro, ha contribuito senz’altro all’estetica eterea della collezione, ponendosi come ulteriore riferimento alla tradizione cinese.

Insomma, tra gonne sontuose e balze di tulle, attraverso la carica espressiva di una miriade di colori pronunciati da labbra rosso ciliegia, l’invito di Chan è a guardarsi intorno, e forse anche un po’ dentro. Richiamando le proprie radici senza dimenticare di poter comporre con i frammenti di esse un mosaico di novità e vita.

August 19, 2024
Robert Wun e “Time”: apprezzare la vita e abbracciare la fine
english italiano

Drappeggi e mantelli neri punteggiati di fiocchi di neve, silhouette sgargianti alternate a tessuti essenziali inondati di fiori di ciliegio. Cappotti color pastello cosparsi di farfalle e abiti dalle foglie vivaci. Strati setosi di tessuto color pelle, una guaina rosso sangue ricoperta di perline. Manichini scheletrici e strati di tulle cosmico ricamati con galassie di minuscoli cristalli multicolore, scintillanti nella penombra. Se vi chiedessero di descrivere l’essenza della vita e del tempo, vi accorgereste che c’è poco a cui pensare al di là dell’intrigante spettacolo proposto sotto i riflettori da Robert Wun.

Lo stilista cinese ha celebrato il decimo anniversario del suo brand con una sfilata di haute couture intitolata “Time“. Nato a Hong Kong, il creativo si è trasferito a Londra dove ha studiato al London College of Fashion. Si è laureato nel 2012 e ha lanciato l’omonimo brand di moda nel 2014. Il marchio ha fatto il suo debutto in passerella a Parigi, nel gennaio 2023, con il supporto di Bruno Pavlovsky di CHANEL. Wun è diventato il primo stilista di Hong Kong a partecipare al calendario dell’Alta Moda nella storia, come membro ospite della Fédération de la Haute Couture et de la Mode. Ha dichiarato che l’obiettivo della collezione era quello di riflettere sul “perché faccio moda, e cosa significa il tempo?“. La risposta che ha trovato è piuttosto semplice ma innegabilmente profonda. “Accettare che un giorno tutto finisca – e che va bene così“.

Riferisce perciò a Vogue: “Dire che dobbiamo vivere il momento è un cliché, ma davvero quel che fai lo puoi fare una sola volta, quindi è meglio goderselo a prescindere dal successo o dal fallimento“.

E per tradurre il concetto del trascorrere temporale in abiti veri e propri, Wun ha immaginato di ritrarre la progressione delle stagioni.
La sfilata si è aperta con l’inverno, un periodo che rende le persone più riflessive, secondo il creatore della collezione. Un abito nero con un velo abbinato ricamato in cristalli, raffigurante la prima neve che cade, si muove elegantemente tra le ombre della sala. L’effetto è stato ripreso anche attraverso la stesura di uno strato di candore su un sottile mantello che sembrava essere stato fatto a pezzi e poi ricucito, evocando la tecnica del kintsugi. Questa espressione, kintsugi, si riferisce all’arte giapponese di ricomporre i frammenti di ceramica rotti con l’oro, una metafora per invitare ad abbracciare i pezzi rotti di noi stessi come parte indispensabile dell’esperienza umana. E chiaramente, le crepe riparate della ceramica rappresentano il processo di guarigione che conferisce valore al risultato finale, anziché sminuirlo.

“Nella filosofia cinese, i fiori sono belli perché non sono destinati a restare per sempre. Se fiorissero in eterno la gente non troverebbe in loro la stessa bellezza“, spiega Wun.

Per questo motivo, i fiori e le farfalle protagonisti delle stagioni più calde sono stati raffigurati nella loro decadenza piuttosto che nella loro gloria, poiché è nella loro vanitas che risiede la bellezza. E così, la primavera e l’estate non vanno immaginate come schizzi sfavillanti di colore su un cielo azzurro, piuttosto come timidi ma saggi tratti di matita su uno sfondo di inevitabilità. Pieno di speranza, ma anche al contempo così nostalgico. L’erosione del tempo su ogni essere vivente è stata resa tecnicamente da bruciature ripetute con convinzione nel corso della collezione. Il team ha scansionato i segni del fuoco su un pezzo di organza, l’ha poi stampato su seta ed effettuato ulteriori bruciature sui bordi per enfatizzarne l’effetto. Infine, abiti dal colore rosso vivo e tappeti di foglie tracciano la conclusione del ciclo delineato portando con sé la meraviglia dell’autunno, su uno sfondo che ne renda giustizia, dal suo immaginario suggestivo.

Tuttavia, la storia non è finita qui. Nella narrazione del tempo che scorre, i quattro look finali rappresentano i quattro strati del corpo umano. Pelle, carne, ossa e anima.
La pelle viene concretizzata da un abito a bozzolo multistrato, realizzato con sei tonalità di plissé color carne, un cappello di velluto modellato sul viso e stivali con taglio a spirale in pelle stampata. La carne si mostra come una sottile guaina rosso sangue ricoperta da 68500 perle cucite in posizione verticale. Il vestito era apparentemente così pesante (40 chili) da non poter essere nemmeno appeso. Una forma scultorea traslucida con una maschera a casco, indossata con una tuta sartoriale in misto lana e seta, resta sormontata da un manichino scheletrico in impetuoso movimento ad ogni passo. Le ossa rappresentano “una riflessione sul desiderio di immortalità e sull’inevitabile mortalità“. Per concludere, un abito velato e strascicato in grado di richiamare la visione di una miriade di costellazioni ha chiuso la sfilata. Ricamato con 97.000 cristalli Swarovski per un totale di 1430 ore di lavoro manuale, il look di chiusura indiscutibilmente riporta all’intenzione progettuale di una ricreazione della Via Lattea. Dopo aver spogliato la dimensione fisica del corpo e aver assaporato la paradossale meraviglia dell’effimerità della dimensione tangibile, Wun ci conduce verso la magia dell’astrazione spirituale, impartendo un’ultima lezione.

Tutto è destinato a perire, tranne l’anima. Perché essa appartiene all’universo e lì ritorna.
July 22, 2024
Robert Wun and “Time”: appreciating life and embracing ending
Black draperies and cloaks dotted with snowflakes, flamboyant silhouettes alternating with essential fabrics awash in cherry blossom flowers. Pastel-colored coats sprinkled with butterflies and vivid leafy dresses. Silky layers of skin toned fabric, a blood-red sheath covered in standing bugle beads. Skeleton mannequins and layers of cosmic tulle embroidered with galaxies of tiny multi-colored crystals, shimmering in the dim light. If you were asked to describe the essence of life and time you would notice that there is little to think about beyond the intriguing show displayed on the runway.

Chinese designer Robert Wun celebrated the 10-year anniversary of his label with a couture show titled “Time”. Born in Hong Kong, the creative moved to London where he studied at London College of Fashion. He graduated in 2012 and launched his own homonym fashion brand in 2014. The brand debuted their first runway show in Paris, January 2023, with the support of Bruno Pavlovsky at CHANEL. Wun became the first designer from Hong Kong to join the Haute Couture Calendar in its history, as a guest member of The Fédération de la Haute Couture et de la Mode. He stated that the aim of the collection was to reflect on “why I do fashion, and what does time mean?” The answer he found is quite simple yet undeniably profound. “To accept that one day everything ends—and that’s okay.”

He told Vogue: “To say that we’ve got to live in the moment is a cliché, but, really, what you’re doing you can only do it once, so better enjoy it no matter success or failure.” To translate the concept of the passing of time into actual clothing, Wun envisioned the progression of seasons.
Opening the show with winter, a period that makes people more reflective, according to the creator of the collection. A black gown with a matching veil embroidered in crystals, portraying the first falling of snow, moved elegantly through the shadows of the venue. A snowy effect was also rendered as a white layer on a slender trailing coat that looked as if it had been shredded apart and then mended back together with a kintsugi-like technique. This expression, kintsugi, refers to the Japanese art of putting broken pottery pieces back together with gold, a metaphor that serves as an invite to embrace the broken pieces of ourselves as an indispensable part of the human experience. And clearly, repaired cracks of the pottery represent the healing process that gives value to the end result rather than detracting from it.

“In Chinese philosophy, flowers are beautiful because they aren’t meant to be forever. If they’d blossom forever people wouldn’t find beauty in them”, stated Wun.

For this reason, flowers and butterflies were depicted in their decay rather than in their gloriousness, since it is in their vanitas that beauty lies. And so, spring and summer are not to be imagined as sparkling splashes of color on a blue sky, but rather as timid but wise pencil strokes against a background of inevitability. Full of hope, yet quite nostalgic. Time’s erosion on every living being was rendered by burnings repeated with conviction throughout the collection. The team scanned the burn marks done on a piece of organza, then printed it on silk and did further burning on the edges to emphasize the effect. Clothes of vivid red color and carpets of leaves trace the conclusion of the cycle bringing with them the wonder of autumn, on a suggestive background.

However, the story did not end there. In the collection’s narration of the passing of time, the four final looks represented the four layers of the human body. The skin, flesh, bones, and soul.
The skin was concretized by a multi-layered cocoon gown, made with six shades of skin tones plisse, a face molded velour hat and spiral cut boots made of printed leather. The flesh was a blood-red slender sheath covered in 68500 bugle beads that were sewn standing up as spikes. The dress was apparently so heavy (40 kilos) that it couldn’t be hung. A translucent sculptural harness with a helmet mask, worn with a wool-silk blend tailored jumpsuit, surmounted by a half-skeleton mannequin that dangled ominously at every step. The bones were “a reflection on the desire for immortality and the inevitable mortality”. And finally, a trailing veiled gown recalling the vision of a myriad of constellations closed the show. Embroidered with 97000 Swarovski crystals and a total of 1430 hours of hand work, the closing look was a recreation of the Milky Way. After stripping away the physical dimension of the body and tasting the paradoxical wonder of the fleetingness of the tangible dimension, Wun leads us toward the magic of spiritual abstraction, teaching one last lesson.

Everything is meant to perish, except for the soul. For it belongs to the universe and there it goes back.
July 22, 2024
Brunello Cucinelli e sostenibilità: dall’utopica fabbrica immersa nelle campagne umbre all’aperta trasparenza sulle pratiche di produzione
english italiano

Il brand in analisi definisce il proprio modello di business attraverso l’espressione “crescita garbata e profittabilità sana“, aprendo la discussione su cosa significhi effettivamente crescere consapevolmente in un settore che punta tutto sulla massimizzazione del profitto.

Brunello Cucinelli è un direttore creativo italiano del lusso e amministratore delegato del suo omonimo marchio made in Italy, esempio tangibile del connubio realizzabile tra sostenibilità e profitto. La dimensione della sostenibilità, infatti, viene evidenziata insieme ai dati preliminari sulla gestione del 2021 di Cucinelli. “Nella nostra idea di sostenibilità l’importante dimensione ambientale convive con altre tre dimensioni fondamentali: quella economica, quella morale e quella culturale” viene spiegato in una nota.

Brunello Cucinelli nel vigneto di Solomeo, © Paolo di Lucente

Dal punto di vista ambientale, l’azienda ha avviato un piano di riduzione delle emissioni di gas “effetto serra”, applicando i principi della Science Based Targets Initiative (SBTi). Tale impegno porterà nel decennio 2019 – 2028 a ridurre le emissioni di gas effetto serra del 60% in termini di intensità economica, e in valore assoluto del 70% per le emissioni scope 1 e 2 e del 22,5% per le emissioni scope 3.

Non solo, ma uno dei progetti più noti di Cucinelli è stato lo stabilimento di Solomeo a Corciano, Perugia. Dal recupero di un piccolo borgo umbro, nasce il luogo di lavoro ideale. Nel suo villaggio “utopico” incontriamo un Foro delle Arti e un Teatro, il Bosco della Spiritualità, oltre alla Scuola dei Mestieri per tramandare l’alto artigianato. Tutto questo per un’idea tanto semplice da enunciare quanto ardua da mettere in pratica nelle dinamiche capitalistiche del nostro tempo: contribuire alla nascita di un nuovo sistema, che abbia come cardini la dignità umana e la crescita, sia materiale che spirituale. Recentemente anche la fabbrica è stata ristrutturata, senza mai costruire nuovi spazi.”Manterremo lo stesso approccio – viene aggiunto – negli anni a venire e nello sviluppo futuro della nostra Casa di Moda, con i prossimi ampliamenti che dovranno avvenire esclusivamente nei dintorni del borgo di Solomeo“.
Dal punto di vista economico viene sottolineato l’obiettivo di “coniugare nel migliore dei modi profitto e dono“, con attenzione sia ai dipendenti che ai fornitori. E il dono ritorna certamente all’impresa, contando gli altissimi fatturati e l’alta fedeltà dei suoi clienti. Infatti, il conto economico consolidato del marchio a giugno 2023 (espresso in migliaia di euro) testimonia un fatturato di 543.942 euro. Fate voi i conti (si tratta di un numero alquanto elevato).

“Sostenibilità morale“, afferma Cucinelli, “per noi significa lavorare il giusto orario, così come rimanere connessi per il giusto tempo, e siamo convinti che i giovani e i giovanissimi siano e saranno sempre più attenti a questi aspetti“. Quest’ultima considerazione sembra essere strettamente legata al tema evidenziato dall’imprenditore durante il G20, ovvero “il rigoroso rispetto delle leggi, cui è legato, ad esempio, il dovere di pagare le giuste tasse in vigore nel proprio Paese“. Il proprietario e stilista destina il 20% del guadagno finanziario della sua azienda alla propria fondazione no-profit in nome della “dignità umana” e retribuisce i suoi lavoratori con salari superiori del 20% rispetto allo standard industriale, consentendo all’azienda di promuovere la continuazione della tradizione artigianale italiana. Cucinelli finanzia anche la già citata Scuola dei Mestieri di Solomeo, e i giovani studenti che la frequentano sono liberi di lavorare per la sua azienda o per altre imprese. Occorre aggiungere che i suoi dipendenti lavorano dalle 9 alle 17.30 e non devono rinunciare al loro tempo libero: vige un vero e proprio divieto di inviare e ricevere e-mail dopo tale orario.

Cucinelli racconta che è stata la sua esperienza personale ad ispirare sensibilità verso il tema.

“Dagli occhi di mio padre lucidi di lacrime. Quando vivevamo in campagna l’atmosfera, l’ambiente, la vita – tutto era bello. Eravamo semplici agricoltori, niente di speciale. Poi mio padre andò a lavorare in fabbrica. Veniva umiliato e offeso, il suo lavoro era veramente pesante. Non si lamentava della durezza del lavoro o del basso salario che ne ricavava, ma diceva sempre: Che male ho fatto a Dio per essere umiliato così?”.

Segue perciò spiegando come non sia possibile che uno dei suoi lavoratori debba subire lo stesso tipo di trattamento, dal momento che alle persone occorre dignità, più di qualsiasi altra cosa.

E quanto infine alla sostenibilità culturale, tra le diverse iniziative della fondazione Brunello e Federica Cucinelli, viene citata la Biblioteca Universale in via di realizzazione.

Prospetto frontale della Biblioteca Universale, disegno su carta

Un’aggiunta interessante è l’installazione del cosiddetto Epson PaperLab, il primo sistema al mondo per il riciclo a secco (senza l’uso di acqua) della carta in ufficio. Grazie a questo approccio, le aziende possono trasformare la carta usata in nuova in un unico processo, attraverso una soluzione circolare che riduce significativamente i consumi. Il marchio ha implementato questa procedura anche per garantire la riduzione a zero dei rifiuti.

Si tratta di un aspetto decisamente importante, poiché, con i volumi in continuo aumento, i rifiuti di carta da ufficio costituiscono oltre il 50% dei rifiuti totali di un’azienda. Naturalmente, ciò comporta un aumento delle emissioni di anidride carbonica. Si stima che la carta costituisca più di un quarto dei rifiuti totali nelle discariche e circa il 42% del legname forestale raccolto a livello mondiale.

Inoltre, parlando di sostenibilità non è possibile prescindere dall’inversione di un modello di business circolare a scapito del classico modello lineare nell’approccio all’economia, considerato come la strada migliore per pensare a un’industria della moda più sostenibile. Negli ultimi anni, il concetto di economia circolare è stato ampiamente adottato da imprese, governi e mondo accademico. A dispetto della logica (purtroppo ancora molto diffusa) del “take, make, waste” (prendere, fare, sprecare) dell’economia lineare, la circolarità cerca di dissociare la crescita economica dall’esaurimento delle risorse naturali e dal degrado ambientale. In questo modo, idealmente, in un’economia circolare non ci sono rifiuti.

E così, considerate tutte le iniziative proposte in finora, un ulteriore aspetto da tenere in considerazione risulta essere la circolarità. Trattando di un marchio di lusso che ha come prodotto principale il cashmere di alta qualità, l’incoraggiamento dell’azienda a mantenere il ciclo di vita del prodotto il più a lungo possibile sembra essere un approccio accessibile.

“Perché il cashmere? Perché è un materiale che teoricamente non si getta mai. Un pullover di cashmere non viene mai buttato via. L’idea di produrre qualcosa che dura per sempre mi piaceva moltissimo“.

Tuttavia, non esiste un’iniziativa di riutilizzo o riciclo fornita direttamente dal produttore, e l’opzione migliore per un consumatore responsabile consiste nel conservare i capi con cura e, quando non servono più, venderli su piattaforme come Vestiaire Collective, sito specializzato nell’acquisto di prodotti di moda di lusso di seconda mano la cui autenticità è garantita da esperti. Lo shopping di seconda mano, in effetti, è diventato progressivamente più rilevante negli ultimi anni e il suo impatto è tangibile, con app come Vinted che sono state scaricate 29,1 milioni di volte nel 2022. La responsabilità deriva da ogni molecola di questo complesso organismo che è la produzione, e il nostro dovere di consumatori resta lo stesso: mantenere un approccio proattivo quando si tratta di acquistare e mantenere. Contribuendo a quel “Capitalismo Umanistico” che Cucinelli tanto incoraggia.
July 17, 2024
Brunello Cucinelli and sustainability: from the “utopian” factory nestled in the Umbrian countryside to open transparency about production practices
english italiano

The brand in analysis defines its business model through the expression “gracious growth and healthy profitability”, opening the discussion about what actually does it mean to grow consciously in a field that relies on anything to maximize profit.

Brunello Cucinelli is an Italian luxury creative director and the chief executive of his eponymous made in Italy brand, a tangible example of the achievable connubium between sustainability and profit.

“In our idea of sustainability, the important environmental dimension coexists with three other fundamental dimensions: economic, moral and cultural” highlights the director.

Cucinelli in the vineyard at Solomeo © Paolo di Lucente

From the largely discussed environmental point of view, “at the end of 2021 we decided to make our commitment measurable by communicating the goal of a 60 percent reduction in greenhouse emissions in terms of economic intensity by 2028, in absolute value of 70 percent for scope 1 and 2 emissions (direct and indirect), and 22.5 percent for scope 3 emissions (indirect generated by the value chain).”

Not only that, but one of Cucinelli’s more notorious projects has been the Solomeo factory in Corciano, Perugia. From the restoration of a small Umbrian village, the ideal workplace is born. In his “utopian” village we encounter a Forum of the Arts and a Theater, the Forest of Spirituality, as well as the School of Crafts to pass on high craftsmanship. All this for an idea, as simple to state as it is arduous to put into practice in the capitalist dynamics of our time: to contribute to the birth of a new system, which counts on human dignity and growth, both material and spiritual, as keystones. Recently, the factory has also been remodeled, without ever building new spaces. “We will maintain the same approach,” says the owner on the subject, “in the years to come and in the future development of our Fashion House, with the next expansions to take place exclusively around the village of Solomeo.”
From an economic point of view, the goal of “combining profit and gift in the best possible way” is often stressed by the company, with attention to both employees and suppliers. And the gift returns right to the enterprise, counting the very high turnovers and high loyalty of its customers. In fact, the brand’s consolidated income statement as at June 2023 (expressed in thousands of euros) testifies a revenue of 543,942 euros. You do the maths (it’s a large number).

“Moral sustainability,”states Cucinelli, “for us means working the right hours, as well as staying connected for the right amount of time, and we are convinced that the young and very young are and will be increasingly attentive to these aspects”. This last consideration seems to be strictly connected to the theme highlighted by the entrepreneur during G20, namely “strict compliance with laws, to which is linked, for instance, the duty to pay the right taxes in place in one’s own country”. The owner and designer allocates 20 percent of his company’s financial gain to his nonprofit foundation in the name of “human dignity” and pays his workers wages 20 percent higher than the industry standard, allowing his company to promote the continuation of the Italian craft tradition. Cucinelli also funds the Solomeo School of Trades, and the young students who attend it are free to work for his company or other firms. His employees work from 9 a.m. to 5:30 p.m. and do not have to give up their free time: there is a real ban on sending and receiving emails after that time.

He recounts that it was his personal experience that inspired his sensitivity to the topic.

“My father’s eyes glistened with tears. When we lived in the countryside the atmosphere, the environment, the life – everything was beautiful. We were simple farmers, nothing special. Then my father went to work in the factory. He was humiliated and reviled, his occupation was really backbreaking. He didn’t complain about the hardness of the job or the low wages he got from it, but he always said, “What harm have I done to God to be humiliated like this?”

He continues by saying that there is no way one of his workers should have to experience that same kind of treatment, as people need dignity more than anything else.

Finally, as for cultural sustainability, among the various initiatives of the Brunello and Federica Cucinelli foundation, the Universal Library under construction is a great example.

Front elevation of the Universal Library in Solomeo, drawing on paper

An interesting addition is the installation of the so called Epson PaperLab, the world’s first system for dry (without the use of water) recycling of paper in the office. Using this approach, companies can turn used paper into new paper in a single process through a circular solution that significantly reduces consumption. The label also implemented this procedure to assure that waste is reduced to zero.

This is significantly relevant since, with volumes continually increasing, office paper waste accounts for more than 50 percent of a company’s total waste. Naturally, this leads to increased carbon dioxide emissions. It is estimated that paper makes up more than a quarter of total waste in landfills and about 42 percent of the world’s forest timber harvest.

Moreover, discussing sustainability it is simply not possible to leave out the reversal of a circular business model at the expense of the classic linear model when approaching economy, considered as the best route to think of a more sustainable fashion industry. Over the recent years, the concept of circular economy has been widely adopted by businesses, governments, and academia. In spite of the (unfortunately) still highly spread “take, make, waste” rationale of the linear economy, circularity tries to decouple economic growth from the depletion of natural resources and environmental degradation. In this way, ideally, in a circular economy, there is no waste.

And so, considered all the initiatives proposed above, an additional aspect to take into account comes to be circularity. Being a luxury brand with high quality cashmere as its main product, the encouragement of the company to maintain the life cycle of the product for as long as possible seems to be an accessible approach.

“Why cashmere? Because it is a material that theoretically never gets thrown away. A cashmere pullover is never thrown away. The idea of producing something that lasts forever really appealed to me”.

Still, there is is not a reusing or recycling initiative provided directly by the producer, and the best option for a responsible consumer results in keeping the items with care and, when no longer needed, selling them on platforms such as Vestiaire Collective, a specialized site for buying luxury second-hand fashion products whose authenticity is guaranteed by experts. Second-hand shopping has, in fact, become progressively more relevant in the last few years and its impact is detectable, with apps such as Vinted being downloaded 29.1 million times in 2022.

Responsibility comes from each molecule of this complex organism that is production, and our duty as consumers stays the same: keeping a proactive approach when it comes to the way we buy and maintain. Contributing to that “Humanistic Capitalism” that Cucinelli so encourages.
July 17, 2024